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Jennifer Lee, ganadora del LOEWE Craft Prize 2018
Las obras de esta ceramista escocesa, tan tradicional como experimental, han conquistado al jurado de uno de los galardones más prestigiosos en el mundo de la artesanía.
Ya sabemos a qué (expertas) manos han ido a parar el LOEWE Craft Prize de 2018. A las de la ceramista escocesa Jennifer Lee, por sus obras, para las que ha desarrollado una técnica única en la que mezcla óxidos metálicos con la arcilla. "Jennifer Lee para mí es un hito en la forma", ha afirmado el director creativo de la firma, Jonathan Adler durante la entrega de premios. El jurado elogió su trabajo por su clasicismo, el significado que enraíza toda la exposición y su atemporalidad.
El jurado, compuesto por 11 expertos entre los que se encuentran el propio Anderson, la arquitecta Patricia Urquiola, Enrique Loewe o la periodista Anatxu Zabalbeascoa como presidenta ha otorgado dos menciones especiales. Una para la artista textil francesa Simone Pheulpin por "redefinir nuestro concepto sobre los textiles y elevar sencillos materiales recicladoa a la categoría de algo extraordinario" y la otra para el alfarero japonés Takuro Kuwata por la energía y la propia identidad de sus trabajos y "transgredir la tadición cerámica, marcando un nuevo camino a seguir".
El objetivo que persigue el LOEWE Craft Prize, que este año cumple su segunda edición, es "constatar la importancia de la artesanía en la cultura actual y reconocer el trabajo de artistas cuyo talento, visión y voluntad innovadora generarán los estándares del futuro".
Los ganadores y los otros 27 finalistas expondrán sus piezas en una muestra del Design Museum de Londres entre el 4 de mayo y el 17 de junio. Aquí abajo puedes ver todas sus piezas.
Ganadora: Jennifer Lee, Reino Unido
Pale, shadowed speckled traces, fading elipse, bronze specks, tilted shelf, loza de arcilla con óxidos naturales mezclados, 174 x 160 x 310 mm. 2017
Las técnicas tradicionales de pinzamiento y enrollamiento se emplean para obtener la total uniformidad de dimensiones de esta obra, que sin embargo transmite una sorprendente vivacidad dentro de sus delicadas y serenas proporciones. Los pigmentos óxidos mezclados dentro de la arcilla de loza producen la apariencia de distintas franjas planetarias girando en equilibrio en torno a un minúsculo eje, y evocan la captura de un momento congelado en el tiempo
Mención Especial: Simone Pheulpin, Francia
Croissance XL (XL Growth), tejido de algodón y alfileres, 900 x 900 x 100 mm. 2017
Elaborada con tiras de algodón densamente prensadas, recicladas de las llantas de coche Vosges, esta impresionante pieza escultural transforma una humilde tela en algo que se asemeja a un fósil prehistórico. Incapaz de trabajar más de dos horas al día debido a la ruda superficie del tejido, Pheulpin recrea una formación geológica estratificada por medio del largo proceso y la forma de su obra.
Mención Especial: Takuro Kuwata, Japón
Tea Bowl, porcelana, esmalte, pigmento, platino y acero, 380 x 380 x 400 mm. 2017
Expresivo en su empleo de la textura y la materialidad, Kuwata combina la típica figura de porcelana esmaltada con una dinámica superficie texturizada con platino y acero. El contraste de materiales y el evidente disfrute surgido de las cualidades opuestas revela un acercamiento fresco e innovador, y un animado sentido del diálogo contenido en la propia obra.
Aneta Regel, Reino Unido
Raining Stones, granito, cuarzo, basalto, feldespato, porcelana, esmalte, dimensiones variables.2017
Influenciada por haber crecido durante la transición de Polonia en el periodo postcomunista, Regel refleja en su obra un deseo de rebelarse para explorar los límites de los materiales escogidos con absoluta libertad. Resecadas y recocidas repetidas veces, las piezas transmiten alegría en su colorido y en la complejidad de sus texturas, irradiando un sentido del dinamismo y la metamorfosis constante.
Ann van Hoey, Bélgica
Object from 'The Earthenware Ferrari' series, cerámica y pintura roja de coche Ferrari, 330 x 380 x 280 mm. 2017
Inspirada por la geometría y la precisión del origami japonés, Hoey ha obtenido una claridad y fuerza visual impresionantes en esta meticulosa pieza de cerámica plegada. El antiguo proceso de la producción de vasijas de loza de barro aparece fusionado con una sorprendente superficie elaborada con pintura de coche Ferrari, conjugando así la materialidad más tradicional con la innovación industrial. La obra invita a reflexionar sobre el equilibrio entrela artesanía y el consumismo capitalista.
Arko, Japón
Third time rainfall, paja, hilo, 1100 x 250 x 1250 mm. 2017
Esta pieza, tejida para colgar en la pared, está elaborada con la aromática paja de arroz que solía emplearse como base de muchos utensilios domésticos en Japón hace un siglo. La vida moderna ha hecho que pierda parte de su valor, y ya solo se usa para fabricar las guirnaldas de 'Shimenawa', la fiesta de celebración del nuevo año japonés. La obra de ARKO resalta la multiplicidad de este material, rescatando y rejuveneciendo un tejido cotidiano íntimamente ligado a la identidad étnica. La artista concibe cada paja como el trazo de un dibujo que busca celebrar el poder de la naturaleza y de las tradiciones locales.
Ashley YK Yeo, Singapur
Arbitrary Metrics II, papel cortado a mano, dimensiones variables. 2015
Elaboradas a partir de un exquisito papel grabado, estas pequeñas piezas confunden al espectador por su apariencia ligera y translúcida que a la vez transmite un rotundo y distintivo sentido de masa espacial. Los ritmos de su intricada superficie cargada de detalles recuerdan a la respiración en su manera de repetirse, y expresan una asombrosa escala espiritual pese al tamaño real de las obras.
Yeonsoon Chang, Corea del Sur
Matrix III Time, Space, Human – 1,2,3, fibra de abacá, dimensiones variables. 2016
Inspirado por su interés en el tiempo, el espacio y el entrelazamiento de relaciones humanas, que riega toda su trayectoria, Chang rinde homenaje a la meditativa labor histórica de las mujeres coreanas que se dedican a producir el tejido empleado en esta obra. Teñida más de 30 veces, una pieza azul índigo bidimensional de fibra de abacá se transforma en una estructura espacial donde las variadas capas de transparencias y la forma tríptica reflejan la cronología de su elaboración.
Min Chen, China
Hangzhou Stool, bambú, 420 x 480 x 530 mm. 2013
Esta sencilla y compacta pieza de mobiliario aprovecha las ventajas de su singular material, demostrando la flexibilidad y el confort del bambú mientras la obra cobra vida e interactúa con el usuario. Min hace referencia al taburete Bauhaus de Max Bill, el `Ulmer Hocker´, pero actualiza este diseño clásico al contagiarlo del apacible estilo y lento ritmo de la vida en Hangzhou. Min alude a la tradición sin perder un ápice de individualidad.
Christopher Kurtz, Estados Unidos
Singularity, madera de tilo tallada a mano y pintura de leche, 914 x 3657 x 2057 mm. 2012
Esta grácil constelación elaborada con lanzas de madera de tilo talladas a mano transforma la rigidez de este material en algo sorprendentemente elástico, invitando a los espectadores a adentrarse en una estructura medioambiental. Kurtz compone un juego de equilibrios, y potencia el suave tacto del tilo hasta convertirlo en un elemento maravillosamente íntimo pese a las formas propulsadas hacia fuera.
Deirdre McLoughlin, Irlanda
Waterwork I, arcilla negra/marrón, terciopelo bajo esmalte, esmalte brillante color berenjena, 260 x 340 x 320 mm. 2017
Inspirada por la manera en que la vía de agua Ij de Amsterdam desprende destellos de luz o parece expandirse en la profundidad de la atmósfera, McLoughlin muestra una gran afinidad con el material escogido. La arcilla oscura, enrollada, pulida y después tratada con un esmalte profundamente coloreado, se transforma aquí en la experta y equilibrada expresión de una forma volumétrica.
Gunilla Maria Åkesson, Suecia
Container, loza roja, 310 x 310 x 260 mm. 2016
Esta vasija cilíndrica, en apariencia sencilla, adquiere una presencia extraordinaria a través de sus armoniosas proporciones y su escala extendida. Åkesson ha ido construyendo sus delgadísimas paredes manualmente, añadiendo 5 cm al día por medio de la técnica de enrollamiento tradicional. El artista contempla el volumen de la obra como un espacio expresivo, una estancia intuitiva que ha dado lugar a una suerte de meditación manifiesta
Hae Cho Chung, Corea del Sur
Five color vessels 0831, ottchil en tejido de cáñamo pulido con cuerno de ciervo, 120 x 120 x 120 mm. 2013
Las vasijas lacadas de Cho Chung plantean una vibrante contradicción entre la lenta temporalidad de la técnica escogida y sus coloridas superficies. El artista ha empleado la tradicional técnica ottchil (laca coreana) con excelencia, lo que denota un laborioso y paciente trabajo ya que las capas se superponen una a una. Cho Chung propone un diálogo entre tradición y contemporaneidad a través del dinamismo de la forma y el color de estas obras.
Irina Razumovskaya, Federación Rusa
Barkskin, loza, porcelana, esmaltes, 250 x 250 x 750 mm. 2017
Inspirada en la envejecida arquitectura constructivista soviética, la combinación de una sencilla forma en la base y una compleja técnica de cocción ha dado lugar a esta columna sutilmente texturizada, posteriormente realzada con un delicado toque de color. Evocando una superficie natural que parece derrumbarse, `Barkskin´ plantea una relación entre el envejecimiento, el hormigón erosionado y la corteza de un árbol que pierde su piel para después rejuvenecer de forma natural.
Joe Hogan, Irlanda
Homage to the tree, madera de haya, pino de pantano y cañas de sauce caseras, 750 x 1050 x 650 mm. 2017
Inspirada por el deseo de desarrollar una conexión más profunda con el mundo natural, Hogan reclama la madera caída en esta obra, una canasta de mimbre tejida alrededor de una pieza de haya en la que todas las formas responden a esa temática central. Por medio de su pureza y la honestidad de su proceso, la reflexiva obra plantea una reflexión acerca de maneras más responsables de habitar el mundo.
Joonyong Kim, Corea del Sur
Tears in the Sunset, vidrio, 480 x 480 x 43 mm. 2014
El cuenco de vidrio de Kim presenta una cualidad escultural que parece haber sido tallada en los límites de su superficie, partiendo de inesperadas formas que sin embargo mantienen la integridad de la tradición. La fragilidad de su colorido recuerda al ocaso, y su sugerente piel aparenta haber sido estirada sobre espinas que parecen alas. La obra equilibra la precisión física total con la expresión creativa del mundo interior del artista
Julian Watts, Estados Unidos
Bench, madera de arce, 330 x 1244 x 482 mm. 2017
Esta pieza de sugerentes contornos anatómicos recuerda a un tronco que incita al tacto, e invita a quienes se sientan en ella a usar las manos para acariciar su superficie texturizada y hurgar en sus cavidades pintadas de rosa. El utilitario banco, un objeto comunal por definición, ha sido reinterpretado de forma juguetona hasta convertirse en un espacio de interacción contemplativa, generando un contraste entre la cavilación solitaria y la intimidad humana compartida.
Laurenz Stockner, Italia
Bowl made of copper / elastic shape – Ø 200mm, cobre, 200 x 200 x 100 mm. 2012
Una discreta sofisticación, combinada con un juguetón pero impecable acercamiento a los materiales, ha dado pie a este cuenco de cobre de proporciones perfectas, tan fino que se balancea y baila ante un mero soplido. La flexibilidad física de la pieza de Stockner adquiere profundidad visual por medio de su color oxidado y de su superficie suavemente degradada tanto en la textura como en el tono.
Marie Janssen, Austria
Shrouded Furnace 5, cerámica con plomo de manganeso vidriado tradicional, 800 x 1200 x 1400 mm. 2017
Este operativo horno elaborado en escala real parece enorme y líquido a la vez, y su forma envolvente refleja el potencial del material al crear un efecto trampantojo. Inspirado por las tradiciones folclóricas surgidas en torno a la lumbre, Janssen emplea la metáfora del paño para referirse al ocultamiento, y utiliza el fuego como elemento mítico y mágico en una pieza que sorprende por aunar espiritualidad y cotidianeidad.
Mercedes Vicente, España
Scalaria Bifurca, lienzo, 300 x 750 x 330 mm. 2017
Inspirada en el concepto de interiorización, centro y orden interno, la obra de Vicente se repliega a sí misma para existir desde dentro hacia fuera, recreando una concha o un cuerno que se propulsa y talla a sí mismo a través del espacio. Este lienzo espiral y expansivo contiene una impresionante estructura dinámica en la que el desarrollo de su proceso está capturado en la propia forma.
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