Estos son los nominados para el LOEWE Craft Prize 2018

LOEWE anuncia los 30 nombres de los artistas que compiten por alzarse con uno de los premios más prestigiosos en el mundo de la artesanía.

"Constatar la importancia de la artesanía en la cultura actual y reconocer el trabajo de artistas cuyo talento, visión y voluntad innovadora generarán los estándares del futuro". Este es el objetivo que persiguen el LOEWE Craft Prize, un premio concebido por el director creativo de la firma, Jonathan Adler, que se inspira en el pasado de LOEWE como colectivo artesanal cuando surgió en 1846 y que este año cumple su segunda edición.

El jurado, compuesto por 11 expertos entre los que se encuentran el propio Anderson, la arquitecta Patricia Urquiola, Enrique Loewe o la periodista Anatxu Zabalbeascoa como presidenta, acaba de anunciar los finalistas que compiten por hacerse con el premio. Entre los 30 seleccionados (que puedes conocer en la galería de imágenes debajo de estas líneas) se encuentran nombres ya reconocidos y otros talentos que acaban de de graduarse y las obras presentan una amplia variedad de técnicas, medios y formas de expresión.

El ganador se dará a conocer durante la inauguración de la exposición que mostrará las obras finalistas y que podrá visitarse en el Design Museum de Londres entre el 4 de mayo y el 17 de junio.


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Aneta Regel, Reino Unido

Raining Stones, granito, cuarzo, basalto, feldespato, porcelana, esmalte, dimensiones variables.2017

Influenciada por haber crecido durante la transición de Polonia en el periodo postcomunista, Regel refleja en su obra un deseo de rebelarse para explorar los límites de los materiales escogidos con absoluta libertad. Resecadas y recocidas repetidas veces, las piezas transmiten alegría en su colorido y en la complejidad de sus texturas, irradiando un sentido del dinamismo y la metamorfosis constante.

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Ann van Hoey, Bélgica

Object from 'The Earthenware Ferrari' series, cerámica y pintura roja de coche Ferrari, 330 x 380 x 280 mm. 2017

Inspirada por la geometría y la precisión del origami japonés, Hoey ha obtenido una claridad y fuerza visual impresionantes en esta meticulosa pieza de cerámica plegada. El antiguo proceso de la producción de vasijas de loza de barro aparece fusionado con una sorprendente superficie elaborada con pintura de coche Ferrari, conjugando así la materialidad más tradicional con la innovación industrial. La obra invita a reflexionar sobre el equilibrio entrela artesanía y el consumismo capitalista.

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Arko, Japón

Third time rainfall, paja, hilo, 1100 x 250 x 1250 mm. 2017

Esta pieza, tejida para colgar en la pared, está elaborada con la aromática paja de arroz que solía emplearse como base de muchos utensilios domésticos en Japón hace un siglo. La vida moderna ha hecho que pierda parte de su valor, y ya solo se usa para fabricar las guirnaldas de 'Shimenawa', la fiesta de celebración del nuevo año japonés. La obra de ARKO resalta la multiplicidad de este material, rescatando y rejuveneciendo un tejido cotidiano íntimamente ligado a la identidad étnica. La artista concibe cada paja como el trazo de un dibujo que busca celebrar el poder de la naturaleza y de las tradiciones locales.

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Ashley YK Yeo, Singapur

Arbitrary Metrics II, papel cortado a mano, dimensiones variables. 2015

Elaboradas a partir de un exquisito papel grabado, estas pequeñas piezas confunden al espectador por su apariencia ligera y translúcida que a la vez transmite un rotundo y distintivo sentido de masa espacial. Los ritmos de su intricada superficie cargada de detalles recuerdan a la respiración en su manera de repetirse, y expresan una asombrosa escala espiritual pese al tamaño real de las obras.

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Yeonsoon Chang, Corea del Sur

Matrix III Time, Space, Human – 1,2,3, fibra de abacá, dimensiones variables. 2016

Inspirado por su interés en el tiempo, el espacio y el entrelazamiento de relaciones humanas, que riega toda su trayectoria, Chang rinde homenaje a la meditativa labor histórica de las mujeres coreanas que se dedican a producir el tejido empleado en esta obra. Teñida más de 30 veces, una pieza azul índigo bidimensional de fibra de abacá se transforma en una estructura espacial donde las variadas capas de transparencias y la forma tríptica reflejan la cronología de su elaboración.

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Min Chen, China

Hangzhou Stool, bambú, 420 x 480 x 530 mm. 2013

Esta sencilla y compacta pieza de mobiliario aprovecha las ventajas de su singular material, demostrando la flexibilidad y el confort del bambú mientras la obra cobra vida e interactúa con el usuario. Min hace referencia al taburete Bauhaus de Max Bill, el `Ulmer Hocker´, pero actualiza este diseño clásico al contagiarlo del apacible estilo y lento ritmo de la vida en Hangzhou. Min alude a la tradición sin perder un ápice de individualidad.

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Christopher Kurtz, Estados Unidos

Singularity, madera de tilo tallada a mano y pintura de leche, 914 x 3657 x 2057 mm. 2012

Esta grácil constelación elaborada con lanzas de madera de tilo talladas a mano transforma la rigidez de este material en algo sorprendentemente elástico, invitando a los espectadores a adentrarse en una estructura medioambiental. Kurtz compone un juego de equilibrios, y potencia el suave tacto del tilo hasta convertirlo en un elemento maravillosamente íntimo pese a las formas propulsadas hacia fuera.

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Deirdre McLoughlin, Irlanda

Waterwork I, arcilla negra/marrón, terciopelo bajo esmalte, esmalte brillante color berenjena, 260 x 340 x 320 mm. 2017

Inspirada por la manera en que la vía de agua Ij de Amsterdam desprende destellos de luz o parece expandirse en la profundidad de la atmósfera, McLoughlin muestra una gran afinidad con el material escogido. La arcilla oscura, enrollada, pulida y después tratada con un esmalte profundamente coloreado, se transforma aquí en la experta y equilibrada expresión de una forma volumétrica.

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Gunilla Maria Åkesson, Suecia

Container, loza roja, 310 x 310 x 260 mm. 2016

Esta vasija cilíndrica, en apariencia sencilla, adquiere una presencia extraordinaria a través de sus armoniosas proporciones y su escala extendida. Åkesson ha ido construyendo sus delgadísimas paredes manualmente, añadiendo 5 cm al día por medio de la técnica de enrollamiento tradicional. El artista contempla el volumen de la obra como un espacio expresivo, una estancia intuitiva que ha dado lugar a una suerte de meditación manifiesta

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Hae Cho Chung, Corea del Sur

Five color vessels 0831, ottchil en tejido de cáñamo pulido con cuerno de ciervo, 120 x 120 x 120 mm. 2013

Las vasijas lacadas de Cho Chung plantean una vibrante contradicción entre la lenta temporalidad de la técnica escogida y sus coloridas superficies. El artista ha empleado la tradicional técnica ottchil (laca coreana) con excelencia, lo que denota un laborioso y paciente trabajo ya que las capas se superponen una a una. Cho Chung propone un diálogo entre tradición y contemporaneidad a través del dinamismo de la forma y el color de estas obras.

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