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Es imposible hacer una lista de las grandes obras maestras de la pintura; las hay a cientos y, además, no todos los criterios convergen. Aunque hay algunas indiscutibles por todos los expertos que serían, precisamente, los cuadros más famosos que ver una vez en la vida, lo cierto es que en toda selección puede haber un punto de subjetividad. Pero lo que ninguno de nosotros discute es el placer que da contemplar un buen lienzo y el poder magnético que ejercen sobre nosotros, casi terapéutico.
Si te gusta la novela histórica, observar y conocer los detalles de un lienzo se le parece un poco. A través de él podemos vislumbrar las costumbres, los prejuicios o los estándares de belleza de civilizaciones, culturas y tiempos distintos. Gracias a ellos, podemos llegar a entender el pasado y aprender de él.
Además, detrás de cada obra se esconde un verdadero trabajo de pinceladas que merece la pena estudiar a fondo. Los artistas de las grandes obras que hoy visitamos en los mejores (y más imprescindibles) museos de España y otros países, como Goya o Magritte, eran unos verdaderos maestros del arte. Sus lienzos, como los de muchos otros, nos hacen reflexionar y entender el mundo de otra forma.
Peor no siempre podemos ir a viajes, vacaciones y rutas con encanto largos en otros países o a viajes de fin de semana para llegar a esos museos que los albergan. Lo que sí que podemos hacer es visitarlos a través de internet y, con nuestra curiosidad, descubrir los detalles de esos cuadros más famosos que hay que ver una vez en la vida. Nosotros te presentamos 30 de una lista que podría ser infinita, donde no están todos los que son pero sí son todos los que están.
Los 30 cuadros más famosos que ver una vez en la vida
Hemos seleccionado 30 cuadros famosos de grandísimos pintores como Velázquez, Van Gogh, Pollock, Pablo Picasso... son algunas de sus obras más representativas y, además, encontrarás un enlace para que disfrutes de una visita virtual a algunas de ellas. Pasen, vean y gocen.
1) 'El caminante sobre un mar de nubes' (Caspar David Friedrich)
No es quizás uno de los cuadros más famosos pero sí uno de los más hermosos del Romanticismo y un buen ejemplo de la rama alemana de esta corriente, con sus retratos de paisajes misteriosos que 'replicaban' las emociones del pintor. Caspar David Friedrich pintó en su trayectoria a muchos hombres de espaldas pero este cuadro es especialmente sobrecogedor por la inmensidad del paisaje montañoso que se divisa. También conquista por la capacidad que tiene para que el espectador se ponga en lugar del montañero.
Año en el que se pintó 'El caminante sobre un mar de nubes': 1818.
¿Dónde puedes verlo? En la Kunsthalle de Hamburgo (Alemania).
2) 'La última cena' (Leonardo Da Vinci)
Es un cuadro muy famoso y popular, pero no te sientas mal si cuando llegues al refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie el mural de 'La última cena' te resulta algo decepcionante. La infraestructura con la que se admira, la enorme cantidad de turistas... no acaba de ser un buen caldo de cultivo para apreciar semejante obra maestra de Leonardo Da Vinci.
'La última cena' retrata justo el instante del evangelio en el que Jesucristo anuncia: "Uno de vosotros me traicionará". El profeta aparece dolido, mientras que la mayoría de los apóstoles muestran gestos de asombro. De izquierda a derecha, aparecen Bartolomé, Santiago el Menor, Andrés, Judas Iscariote, Pedro, Juan (con gesto dormido), Tomás, Santiago el Mayor, Felipe, Mateo, Tadeo y Simón. En la Segunda Guerra Mundial cayó una bomba justo encima de la iglesia y el refectorio quedó aplastado por los escombros. Cuando se despejaron, apareció intacta la pintura y muchos creyeron que era un 'milagro'. En realidad los religiosos habían protegido la pared con antelación, andamios y bolsas de arena.
Año en el que se pintó 'La última cena': entre los años 1495 y 1498.
¿Dónde puedes verlo? En la iglesia y convento de Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia).
3) Retrato de la madre del artista (James McNeill Whistler)
Entre los cuadros más famosos que ver una vez en la vida, no podía faltar una de las obras más famosas del siglo XX; tiene algo de misterioso pero es terriblemente magnética. En el cuadro aparece Anna Mathilda, efectivamente la madre del artista, vestida de forma muy sobria, de lado, sentada en una silla y agarrando un pañuelo de encaje con gesto adusto.
Whistler recupera el habitual retrato de perfil del Renacimiento, pero fue fruto de la casualidad, porque la idea es que apareciera de pie pero como tenía 67 años, no podía aguantar todo el rato y finalmente su hijo le dijo que se sentara en una silla. La fatiga está representada no solo en el rostro cansado y trabajado de la mujer, sino en el reposapiés. Como curiosidad: James McNeill Whistler fue uno de los mejores amigos de Oscar Wilde.
Año en el que se pintó 'Retrato de la madre del artista': 1871.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo de Orsay (París, Francia)
4) 'El columpio' (Jean-Honoré Fragonard)
Un cuadro famoso que ejemplifica el rococó y que está lleno de preciosos detalles para aquellos a los que les guste analizar cada detalle. Vemos una cortesana columpiándose con la ayuda de un hombre, al fondo, mientras que otro hombre, tumbado delante de ella, intenta ver algo debajo de los ropajes. El entorno parece ser un jardín, con una balaustrada en la que se aprecian unas estatuas de angelitos, uno de ellos reclama silencio, quizás a un grupo que está haciendo mucho ruido o quizás pidiendo discreción a unos amantes. Originalmente, el cuadro se llamó 'Los felices azares del columpio'.
Año en el que se pintó 'El Columpio': 1767.
¿Dónde puedes verlo? En la Wallace Collection de Londres.
5) 'Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte' (George Seurat)
Es una técnica que, posiblemente, utilizaste en las clases de dibujo del instituto. Se llama puntillismo o neoimpresionismo y la invento el francés George Seurat, una de las principales figuras del arte del siglo XIX. Se trata de hacer minipinceladas de diversos colores para que la retina del ojo acabe componiendo un color plano. Y la obra maestra del puntillismo es posiblemente esta archiconocida 'Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte'. Es un bonito cuadro de gente de diferentes clases sociales (aparentemente) paseando, descansando, jugando o pescando junto al Sena que es capaz de transmitir la tranquilidad de un domingo por la tarde. Seurat tardó nada menos que dos años en pintar la obra, de tres metros de longitud.
Año en el que se pintó 'Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte': entre 1884 y 1886.
¿Dónde puedes verlo? En el Art Institute of Chicago (Estados Unidos).
6) 'El beso' (Gustav Klimt)
Muchas disputas hay sobre cuál es el cuadro más famoso de la historia, aunque este sale en todos los listados. ¿Será por su particular técnica? (está pintado con pan de oro). ¿Será por su intrínseco romanticismo? Este lienzo de principios del siglo XX, es sin duda el más conocido de su autor, que pertenece al simbolismo y al art nouveau. Dicen que la inspiración de Klimt fueron los mosaicos bizantinos de la iglesia de San Vital de Rávena -en Italia-, de ahí que la obra nos recuerde a la iconografía religiosa. Sin embargo, el cuadro está lleno de un enorme erotismo y sensualidad, a la vez que representa el completo amor y conexión entre hombre y mujer, que aparecen unidos y equilibrados en un gesto de cariño sin parangón. Con los años se ha convertido en una de las obras de arte más instagrameadas e incluso en protagonista de los tatuajes de trazo fino de Meyk Belmonte.
Año en el que se pintó 'El beso': entre 1907 y 1908.
¿Dónde puedes verlo? En la Österreichische Galerie Belvedere, Viena (Austria)
7) 'Marylin Monroe' (Andy Warhol)
Es uno de los cuadros contemporáneos más famosos de todos los tiempos, capaz de saltar de las paredes de los museos a los 'pins', las carpetas escolares, las portadas de disco... En los años 60, pintores como Andy Warhol quisieron huir del expresionismo abstracto utilizando como elementos artísticos personas u objetos tomados del cine, la publicidad, los periódicos... El 'pop art' surgía así para reclamar que cualquier persona o cosa de la vida cotidiana era susceptible de convertirse en obra de arte. Warhol cogió una de las imágenes más conocidas de la actriz Marilyn Monroe y la convirtió en una obra de arte icónica a través de colores, para crear una imagen irrepetible a medio camino entre el cuadro y el cartel.
Si te gustan tanto el artista como la musa, no te pierdas 'Blonde', el biopic de Marilyn Monroe y 'Los diarios de Andy Warhol', en Netflix.
Año en el que se pintó 'Marilyn Monroe': 1964.
¿Dónde puedes verlo? El díptico original está en la Tate de Londres.
8) 'El almuerzo de los remeros' (Pierre-Auguste Renoir)
El pintor impresionista Pierre-August Renoir era un verdadero 'bon vivant' que, en sus cuadros, se alejaba de la denuncia social para retratar los grandes placeres de la vida. Pintado a finales del siglo XIX, nos lleva hasta la terraza de la Maison Fournaise, un local situado a las orillas del Sena muy conocido en aquella época por sus desayunos, almuerzos, cenas, bailes hasta el atardecer y donde se alquilaban botes para navegar por el río. Habitual del sitio, Renoir decidió hacerle pasar a la historia con ese lienzo en el que capturó su buen ambiente y algunos de sus mejores amigos, como el pintor Caillebotte (sentado, a la derecha) o su modelo preferida, Aline Charigot (jugando con un perrito), que se convertiría en la esposa del pintor años después.
Año en el que se pintó 'El almuerzo de los remeros': 1881.
¿Dónde puedes verlo? En la Colección Phillips (Washington, Estados Unidos).
9) 'El nacimiento de Venus' (Sandro Botticelli)
El poético retrato pictórico de cómo nace la diosa del amor es uno de los cuadros más famosos y fascinantes de la historia de la pintura y una de las más emblemáticas del período renacentista. Todo es delicado y sensual en esta pintura: las vestiduras, el soplo de Eolo, la tela con la que la ninfa quiere tapar a Venus, la exquisitez con la que la diosa usa su pelo para tapar sus partes íntimas... En esa enorme delicadeza y feminidad que transmite toda la obra, nos fijamos en la extraña expresión de Venus: ¿qué nos quiere decir? ¿Está sonriendo? ¿Está relajada? ¿Está pensando en cualquier otra cosa? ¿Se está dejando llevar? Balanceada y serena, la pintura es hermosísima y representa el paso del arte gótico florentino al renacentista. Y, además, nos demuestra cómo cambian las tendencias de belleza y bienestar en las mujeres a través del tiempo.
Año en el que se pintó 'El nacimiento de Venus': 1484.
¿Dónde puedes verlo? En la Galleria Uffizi, Florencia (Italia)
10) 'La muerte de Marat' (Jacques-Louis David)
Jean Paul-Marat, líder revolucionario francés y uno de los artífices del reinado del Terror, era amigo personal de Jacques-Louis David, quien tuvo apenas cuatro meses para crear una obra que homenajeara para siempre a su compañero. El magnífico óleo, que se exhibe en Bruselas, pertenece al estilo neoclásico, muy de moda en aquel momento. En la imagen vemos a un Marat apuñalado en la misma bañera donde se relajaba. Le vemos con un turbante, pues se lo empapaba en vinagre para aliviar unas erupciones que le salían por ser celíaco. A David le fascinaban los discursos de Marat, capaz de encender a cualquier masa, así que utilizó esta pintura para homenajearlo como mártir de la Revolución Francesa.
Año en el que se pintó 'La muerte de Marat': 1793.
¿Dónde puedes verlo? En los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (Bruselas, Bélgica)
11) 'La escuela de Atenas' (Rafael)
Este maravilloso fresco se encuentra en la Estancia de la Signatura del palacio del Vaticano, que en la época en la que fue decorada por Rafael (1510-1512) solía ser una biblioteca. En esta espectacular obra quiso representar el origen del pensamiento occidental, la antigua Grecia, y pintó un espacio de arquitectura clásica en la que podemos ver a Platón y Aristóteles en el centro. Pero a todos los protagonistas del fresco les pone la cara de un artista de su tiempo; así, Platón tiene la cara de Leonardo; Heráclito, la de Miguel Ángel; Hipatia, la de la novia de Rafael, Margherita; Apeles, como el propio autor, etc. Pero Rafael no solo quiso hacer un catálogo de personajes sino dejar patente la filosofía de cada uno. Así, Platón, que es más idealista, señala con su pulgar al cielo; Aristóteles, que creía en un pensamiento real y físico, a la tierra.
Año en el que se pintó 'La escuela de Atenas': entre 1509 y 1511.
¿Dónde puedes verlo? En los Museos Vaticanos. Un buen motivo para disfrutar de un viaje a Roma y acercarte a los pueblos más bonitos de Italia para una escapada inolvidable.
12) 'La ronda de noche' (Rembrandt)
Probablemente, la obra más conocida de Rembrandt, aunque en realidad no se llama 'Ronda de noche' sino, como se pudo descubrir gracias a un boceto, 'La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh' (que son los encargados de dirigir a la compañía que va tras ellos). El título de 'Ronda de noche' se le otorgó en el siglo XIX por su fondo oscuro... que en origen tampoco era oscuro. La acción pintada por Rembrandt transcurría de día, pero se estropeó el cuadro por la oxidación del barniz y la suciedad. Los militares de aquella época pagaron 100 florines por aparecer en la obra, que representaba la defensa de los ciudadanos holandeses. La enorme valía de este cuadro viene, entre otros motivos, por el exquisito detallismo de Rembrandt, que sabe captar a la percepción los tejidos, las luces, los colores, el movimiento...
Año en el que se pintó 'La ronda de noche': 1642.
¿Dónde puedes verlo? En el Rijksmuseum que podrás ver si disfrutas de unos días en Ámsterdam.
13) 'Noche estrellada' (Vincent Van Gogh)
¿Quién le hubiera dicho a Van Gogh que, al final de una larga pero poco reconocida en vida trayectoria como pintor, llegaría el lienzo que le haría pasar a la historia? Para unos, su gran obra son 'Los girasoles'; para muchos otros, esta 'Noche estrellada', pintada pocos meses antes de morir, es uno de los cuadros más famosos e importantes de Vincent van Gogh. Estaba ingresado en un sanatorio psiquiátrico y desde la ventana veía un paisaje que describió así a su hermano Theo: "Esta mañana he visto el campo antes de amanecer desde mi ventana, con nada más que la estrella de la mañana, la cual era muy grande". Pero no lo pintó con exactitud, sino que fue una inspiración para retratar también un estado de ánimo y para incluir algunos detalles que no veía, como el pequeño pueblo que se ve al fondo, el de Saint-Rémy.
Año en el que se pintó 'Noche estrellada': 1889.
¿Dónde puedes verlo? En el Museum of Modern Art (MoMA), podrás verlo en vivo si realizas un viaje (aunque sea exprés) a Nueva York.
14) 'El grito' (Edvard Munch)
Uno de los cuadros más famosos que ver una vez en la vida, es también probablemente la obra de arte que más veces ha sido convertida en meme, ¡y no lo decimos en broma! Nos hemos sentido identificados con la cara de desesperación del personaje que pintó Edvard Munch. Él se inspiró en su propia vida, la de una persona atormentada e integrada en una familia con problemas (padre alcohólico, madre fallecida, hermanas con trastornos bipolares, alcohol, etc). El cuadro surgió cuando Munch paseaba con dos amigos, se apoyó en una valla muerto de cansancio y, según cuenta, "yo me quedé quieto, temblando de la ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza". Existen cuatro versiones del cuadro; la más conocida se encuentra en la Galería Nacional de Noruega. Dos de ellas podemos admirarlas en el Museo Munch, también en Oslo, y la cuarta pertenece a una colección particular. Las tres primeras han sido robadas en alguna ocasión.
Año en el que se pintó 'El grito': 1893.
¿Dónde puedes verlo? En la Galería Nacional de Noruega (Oslo).
15) 'El matrimonio Arnolfini' (Jan Van Eyck)
Es uno de los cuadros más famosos y antiguos conservados en el mundo. En él podemos ver a un rico comerciante de seda de la época, el italiano Giovanni Arnolfini, junto a su esposa embarazada, Constanza Trenta -quien había muerto un año antes de que Van Eyck pintara el cuadro- en su casa de Brujas (Bélgica) -uno de pueblos de Europa más bonitos y con encanto-. Ella aparece embarazada como símbolo de fecundidad, y es que el lienzo está lleno de símbolos, como el perro, que significa la fidelidad o las sandalias que podemos apreciar a la izquierda, que son una representación de la riqueza de la época. Desde 1842 se encuentra en la National Gallery de Londres después de que en 1813 desapareciera del Palacio Real de Madrid.
Año en el que se pintó 'El matrimonio Arnolfini': 1434.
¿Dónde puedes verlo? En la National Gallery cuando estés un fin de semana en la ciudad de Londres.
16) 'Las Meninas' (Diego Velázquez)
Considerada una de las obras maestras de la pintura española de todos los tiempos, fue pintado por Velázquez a mediados del siglo XVII. En ella, el maestro sevillano puso su mayor empeño para transmitir realidad y a la vez una compleja red de significados: vemos a las servidoras de palacio, las Meninas, atendiendo a la infanta Margarita; a los enanos Mari Bárbola y Nicolasito Pertusato, que azuza a un mastín, a la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, aposentador. Y vemos al propio Velázquez, a la izquierda, reflexivo, en plena ejecución de un cuadro de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, los padres de la infanta, que se reflejan en el espejo del fondo. Es un maravilloso ejercicio de perspectivas y de fuentes de luz, con detalles repartidos por todo el lienzo adelantándose en siglos a lo que sería la pintura moderna: ¿cuáles son los límites entre la pintura y realidad?
Año en el que se pintó 'Las Meninas': 1656.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo del Prado que puedes visitar si pasas un fin de semana en Madrid.
17) 'Las señoritas de Avignon' (Pablo Picasso)
Pablo Picasso creó un nuevo género en la pintura, el cubismo, con esta magnífica obra convertida en uno de los cuadros más famosos de la historia que ver una vez en la vida. 'Las señoritas de Avignon' supone una ruptura radical con la composición y la perspectiva tradicional de la pintura y nos presenta cinco mujeres, cinco prostitutas barcelonesas de la calle Avinyó, donde abundaban los burdeles. La obra, que supuso todo un terremoto pictórico, se nutre de varias influencias: los bañistas de Cézanne, la 'Visión del Apocalipsis' de El Greco, las máscaras africanas del Museo del Trocadero de París y la escultura íbera. El espacio en el que se ubican las figuras parece proyectarse hacia delante mientras que un bodegón de frutas reposa sobre una mesa que parece despegarse hacia arriba. La idea es romper con el realismo y apostar por planos angulares. En los primeros estudios de Picasso para la obra, la figura de la izquierda era un hombre, pero cambió el detalle al final.
Si te gusta este artista, también sabrás que el cuadro más caro de 2023 es precisamente uno suyo y necesitaríamos 325 Gordos de la Lotería para comprarlo.
Año en el que se pintó 'Las señoritas de Avignon': 1907.
¿Dónde puedes verlo? En el Museum Of Modern Art (MoMA) de Nueva York.
18) 'La Gioconda' (Leonardo da Vinci)
Podría decirse de él que es el cuadro más famoso de la historia sobre la pintura, y por ello acudir al Louvre y deleitarse con la inquietante sonrisa de esta joven es casi misión imposible, por los miles de personas que la visitan diariamente. Sin embargo, vale la pena intentarlo para ver el retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo –esta es la versión más comúnmente creída, aunque otros expertos ponen en duda la identificación; incluso se ha dicho que era el propio Da Vinci travestido– para apreciar la maravillosa técnica del 'sfumato': se trata de aplicar varias capas suaves de pintura de forma delicada para que la figura tenga contornos imprecisos. La calidad de la obra reside en el verismo que transmite, su capacidad de evocar la psicología de la modelo e incluso las virtudes de la mujer en los pequeños detalles. Si quieres saber más sobre da Vinci, te aseguramos que tiene una de las biografías más apasionantes e interesantes de la historia -firmada por Walter Isaacson-, merece la pena leerla.
Año en el que se pintó 'La Gioconda': entre 1503-1519.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo del Louvre de París.
19) 'La joven de la perla' (Johannes Vermeer)
Algunos expertos han querido ver precisamente la influencia de la 'Mona Lisa' en este maravillosa obra pintada por Vermeer a mediados del siglo XVII de una modelo cuya identidad aún es desconocida. Aunque a diferencia del de Da Vinci no se trata de un retrato, sino de un 'tronie', el nombre que se daba en la Holanda del XVII a los cuadros en los que los pintores demostraban sus habilidades artísticas. La obra es sumamente enigmática y delicada y en ella podemos ver a una joven con turbante –el magnético azul ultramar era uno de los colores más caros y cotizados de la época–y con un enorme pendiente de perla, girando la cara como para querer decir algo al espectador, deslumbrando sobre el intenso fondo negro en el que se percibe una gran influencia de Caravaggio.
Año en el que se pintó 'La joven de la perla': entre 1665 y 1667.
¿Dónde puedes verlo? En el museo Mauritshuis de La Haya (Holanda).
20) 'Guernica' (Pablo Picasso)
La serie de los desastres de la guerra y la concepción de arte como denuncia de Francisco de Goya fue una de las grandes influencias de Pablo Picasso para crear una de las máximas obras de arte de todos los tiempos, de esas que atrapan durante horas a un espectador ávido de descubrir todos los detalles de un cuadro de lectura sin fin. El artista malagueño quiso narrar el bombardeo del ejército alemán sobre la ciudad vasca de Guernica, con sus horrores, las madres escapando con sus hijos, soldados llorando, los escombros, los caballos huyendo ante el horror... Esta enorme obra de arte (mide casi 4 m de alto por 8 de largo) fue compuesta para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937. Una maravillosa obra que encoge el corazón y que lamentablemente sigue más viva que nunca.
Si tienes la oportunidad de visitar algunos de los pueblos más bonitos de España por el Norte, aprovecha y acércate a la zona de Guernica.
Año en el que se pintó 'Guernica': 1937.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid.
21) 'El jardín de las delicias' (El Bosco)
El rey Felipe II era un entusiasta de la obra de El Bosco y adquirió este tríptico para que decorara las paredes del monasterio del Escorial -en la localidad de San Lorenzo del Escorial, uno de los pueblos bonitos cerca de Madrid para pasar el día-, donde permaneció hasta la Guerra Civil y ya en 1939 entró a formar parte de la colección del Prado. La obra cerrada representa el final del tercer día de la Creación, con una tierra plana rodeada por agua y abundante vegetación, envuelta en una esfera translúcida. Al desplegarla, se convierte en un tríptico: el izquierdo representa el paraíso terrenal y la creación del ser humano (vemos a Dios, Adán y Eva); el central es una representación de la lujuria, y en ella vemos al mundo entregado al pecado, con figuras de fuerte contenido sexual y erótico; el de la derecha es finalmente el infierno o infierno musical porque comprobamos la enorme presencia de instrumentos musicales para torturar a los pecadores, culpables de todos los pecados capitales.
Año en el que se pintó 'El jardín de las delicias': entre 1503 y 1505.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo del Prado de Madrid.
22) 'Noctámbulos' (Edward Hopper)
Otra obra increíble en la que el tiempo parece detenerse y en la que el espectador se sumerge en un ambiente de noche norteamericana, de Nueva York, de película negra, espiando casi a los personajes. El tiempo se ha detenido, parece que no pasan coches ni tampoco peatones. Pero en un café se reúnen algunos noctámbulos a hablar entre sí y con los camareros, en el perfecto retrato del insomnio. Edward Hopper es el gran pintor de la soledad; empezó este cuadro después del bombardeo de Pearl Harbor que llevaría a Estados Unidos a participar en la Segunda Guerra Mundial y, sin darse cuenta, hizo en este cuadro un 'diner' sin puerta al exterior que para muchos expertos ha querido significar la incomunicación, la tristeza o el miedo a la soledad.
Año en el que se pintó 'Noctámbulos': 1942.
¿Dónde puedes verlo? En el Art Institute de Chicago.
23) 'Número 1A' (Edward Pollock)
Jackson Pollock es uno de los máximos representantes del expresionismo abstracto, uno de los primeros movimientos de vanguardia estadounidense. Esta obra fue pintada a mediados del siglo XX bajo la técnica del goteo: “A veces uso un cepillo, pero a menudo prefiero usar un palo. A veces vierto la pintura directamente de la lata. Me gusta usar una pintura líquida que gotea”, explicaba. Para usar mejor esta técnica, no colocaba el lienzo en un caballete o en la pared, sino en el suelo Fue también rompedor escogiendo números para designar sus obras porque, tal y como señaló al cabo de los años su esposa, la también artista Lee Krasner, "los números son neutrales. Hacen que las personas vean una pintura por lo que es: pintura pura".
Año en el que se pintó 'Número 1A': 1948.
¿Dónde puedes verlo? En el Museum Of Modern Art (MoMA) de Nueva York.
24) 'Impresión, sol naciente' (Claude Monet)
Dicen que el arte moderno nació con esta maravillosa obra de Monet que, además, daría nombre a una nueva corriente artística, el impresionismo. Monet era un gran admirador de Turner, en cuya obra 'El incendio del Parlamento' dicen que se inspiró para crear uno de sus cuadros más famosos: 'Impresión, sol naciente'. Con unas pinceladas libres y espontáneas, los bordes de las figuras y las formas desaparecían y la luz se convertía en la gran protagonista de la obra de arte. Los críticos no entendían nada; de hecho, la irónica crítica de uno de ellos, Louis Leroy, dio nombre al movimiento artístico: "Al contemplar la obra pensé que mis gafas estaban sucias. ¿Qué representa esta tela? El cuadro no tenía derecho ni revés. ¡Impresión!, Desde luego produce impresión… El papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina…".
Año en el que se pintó 'Impresión, sol naciente': 1872.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo Marmottan-Monet de París.
25) Capilla Sixtina (Miguel Ángel)
No hay lugar para las casualidades: la Capilla Sixtina tiene exactamente las mismas dimensiones que el templo de Salomón, tal y como se describió en el Antiguo Testamento. Pero a diferencia del edificio clásico, este se conserva y se puede visitar... si consigues soportar las colas y si no te importan los miles de personas que lo fotografían diariamente. Miguel Ángel realizó en la bóveda una de sus obras maestras, 'La creación de Adán', que supone la primera representación pictórica de Dios, un anciano musculoso y barbudo que está creando al ser humano con su dedo. En el frente de la Capilla se encuentra otra maravillosa obra de arte, 'El juicio final', pintada cinco años después también por Miguel Ángel –ojo, nunca perdamos de vista que él en realidad era escultor–. En el centro vemos a Cristo, a su izquierda los que ascienden al cielo y a la derecha los condenados; todo es muy caótico, dinámico y a la vez tremendamente equilibrado.
Año en el que se pintó la Capilla Sixtina: entre 1508 y 1512.
¿Dónde puedes verlo? En el Museo Vaticano que puedes ver si te animas con una escapada de fin de semana a Roma.
26) ‘La persistencia de la memoria’ (Salvador Dalí)
Los títulos ‘Los relojes blandos’ o ‘Los relojes derretidos’ hacen referencia a este mismo cuadro famoso pintado por Salvador Dalí y cuyo nombre real es ‘La persistencia de la memoria’. A pesar de lo que pueda parecer, esta obra surrealista realizada mediante la técnica del óleo sobre lienzo tiene prácticamente el tamaño de un folio A4 (24 cm por 33 cm, para ser más exactos). En ella se contempla un paisaje marino, un bloque que hace de mesa sobre el que se sostiene un árbol con un reloj blando colgando de una rama, un reloj de bolsillo con hormigas sobre él y otro reloj blando que parece escurrirse. En el centro, una singular figura inerte sobre la que el artista coloca un cuarto reloj que, al igual que los demás, marca perfectamente la hora. Dalí se inspiró en los quesos camembert para pintar este cuadro por su calidad de «tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos» según sus palabras, así como en la teoría de la relatividad, puesto que como él mismo dijo: «El tiempo no se puede concebir sino el espacio». La memoria se reblandece con el paso imparable del tiempo, al igual que los relojes del artista de Figueres.
Año en el que se pintó 'La persistencia de la memoria': 1931.
¿Dónde puedes verlo? Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
27) ‘La balsa de la Medusa’ (Theodore Géricault)
El enfant terrible del romanticismo francés, Géricault, creó esta espectacular pintura al óleo de formato grande a principios del siglo XIX. En ella se representa el naufragio de Méduse, una fragata francesa encallada frente a la costa de Mauritania en 1816. Tras el terrible suceso, alrededor de 150 personas trataron de sobrevivir sobre una balsa construida de forma apresurada, pero sólo 15 lograron hacerlo al cabo de los 13 días que tardaron en rescatarlos. Todo un escándalo que señaló a la monarquía francesa como culpable. Guéricault representa este suceso en una obra con encuadre frontal y composición “teatral”, con los protagonistas dispuestos de forma piramidal en ascenso hacia la esquina superior del lienzo. Si nos fijamos, las expresiones de los supervivientes van desde la desesperación, pasando por la resignación, la incredulidad y, finalmente, la esperanza.
Año en el que se pintó 'La balsa de la Medusa': entre 1818 y 1819.
¿Dónde puedes verlo? El Museo Louvre de la ciudad de París alberga esta obra.
28) ‘La Libertad guiando al pueblo’ (Eugène Delacroix)
Este impresionante lienzo, pintado por Delacroix, simboliza la Revolución de 1830 sucedida en Francia. Una insurrección que comenzó en París con las denominadas Tres Gloriosas jornadas en las que el pueblo se levanta en armas contra el terrible reinado de Carlos X para dar paso en el trono a Luis Felipe de Orleans. En el enorme cuadro de Delacroix pueden verse representados diferentes personajes de la sociedad francesa erigiéndose sobre los que perecieron en la batalla. Desde el burgués al mendigo, pasando por el soldado o el niño… evocando la unión del pueblo en la lucha por sus ideales. Abanderando el cuadro, la Libertad. La figura principal que se encuentra en lo alto de la pirámide compositiva, al igual que sucedía con Guéricault. La Libertad se alza y abre paso parcialmente desnuda, con gorro frigio, fusil y bandera tricolor. Esta figura femenina terminaría por considerarse la personificación de la República Francesa y sus valores: libertad, igualdad y fraternidad.
Año en el que se pintó 'La libertad guiando al pueblo': 1830.
¿Dónde puedes verlo? Se conserva en el Museo del Louvre, de París.
29) ‘La gran ola de Kanagawa’ (Katsushika Hokusai)
Se trata de la obra más famosa de Hokusai, especialista en ukiyo-e (grabados realizados mediante xilografía), y una de las estampas más reconocidas a nivel internacional. Publicada entre 1830 y 1833, supone la primera de su conocida serie ‘Treinta y seis vistas del monte Fuji’. En ella percibimos tres elementos diferenciados, un mar agitado en forma de tsunami que nos envuelve, tres barcazas y el Monte Fuji con su cumbre nevada al fondo. La ola traza una espiral perfecta, está cargada de magnetismo y dinamismo, demostrando el poder implacable de la naturaleza que no solo atrapa a los barcos, sino también al espectador. Con esta obra, Hokusai fue toda una fuente de inspiración para otros artistas como, por ejemplo, Vincent Van Gogh.
Año en el que se pintó 'La gran ola de Kanagawa': entre 1830 y 1833.
¿Dónde puedes verlo? Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, de Nueva York. Su nombre seguro que se te hace familiar, puesto que anualmente celebran la Gala MET.
30) ‘Composición VII’ (Wassily Kandinsky)
Creado por Kandinsky a principios del siglo XX, este lienzo se considera una de las obras cumbre del arte abstracto. Supone una continuación de las Composiciones V y VI, las tres entrelazadas por un tema común: el Apocalipsis. En este caso, el diluvio, el juicio final, la resurrección y el jardín del amor serán el trasfondo. La mirada del espectador parte de la zona inferior izquierda a la esquina superior derecha en todo un huracán compositivo. Los colores vivos y claros predominan en el lienzo, al contrario que en los anteriores, a modo de transición y liberación. El paso de lo material a lo espiritual. A razón de sus composiciones, el propio Kandisky las definía como expresiones de sentimientos que se iban formando en su interior.
Año en el que se pintó 'Composición VII': 1913.
¿Dónde puedes verlo? Está en la Galería Tretiakov, de Moscú.
